¿Photoshop Lightroom o Adobe Camera Raw?

Autor: Marcelo Monzón

Si bien Photoshop siempre es mencionado como el rey de las imágenes digitales (¿queda alguna duda de que lo es?) existen otros programas que son tan utilizado,  como Photoshop, por fotógrafos profesionales  pero no tienen tanta fama popular.
Mas allá de que ambos forman parte de la gran familia Photoshop, ellos son programas en sí mismo y tienen su propio vuelo. Pero… ¿Cuáles son las diferencias entre ambos?

En Argentina somos muy extremistas. Boca o River. Cerveza o vino. Peronismo o Radicalismo. Y así podría seguir enumerando una gran cantidad de comparativas que tenemos los habitantes del Rio de La Plata.
Afortunadamente en el resto de América Latina, y del mundo, no se es tan radical, ni tan blanco o negro, aunque existe un tópico que despierta pasiones y es tema de debate en varios foros de fotografía: ¿Cuál es mejor? ¿Photoshop Lightroom o Adobe Camera Raw?
Lo primero que puedo asegurar, sin miedo a equivocarme es que ambos ganan día a días, mas espacio en la vida de los fotógrafos, básicamente por su practicidad y agilidad en la administración y procesamiento de gran volúmenes de imágenes.
Para aquellos que ya trabajan con uno de los dos programas, le será muy fácil adaptarse al otro, básicamente porque Adobe Camara RAW (ACR) posee el mismo mecanismo del módulo de Develop [Revelado] del Lightroom (Lr).
Si bien las versiones son compatibles, en su forma de procesar las imágenes, existe una diferencia en los números de las versiones ya que Lr es mucho mas “joven” que ACR.
Así que teniendo en cuenta eso, podemos poner como ejemplo el modulo Develop del Lr 5.4 que tiene exactamente las mismas herramientas y recursos que el ACR 8.4, así como el Lr 4.0 y ACR 7.0, Lr 6.0 y ACR 9.0, y así por delante. Por tal motivo lo que se edita en uno, puede editarse de manera idéntica en el otro.
Nobleza obliga, para decir que Camera RAW trabaja exactamente que Lightroom, deberíamos pensar que Adobe Bridge forma parte de ACR. O viceversa.
Sin embargo Adobe Bridge es una herramienta mucho más potente, en lo que a manipulación de archivos se refiere, y su alcance abarca toda la Creative Cloud, mientras que Lightroom solamente trabaja con archivos de formatos fotográficos.
Acá me gustaría hacer un paréntesis personal, y la misma podría formar un parangón con la historia del huevo o la gallina. Adobe Camera RAW es una aplicación incorporada a Adobe Bridge pero también se encuentra presente en Photoshop, por lo que si me preguntan desde donde lo manejo, responderé sin dudarlo que desde Photoshop, pero si tengo que basarme en la documentación que he leído de las aplicaciones de Adobe, lo correcto sería decir que forma parte de Adobe Bridge.
Hecha esta aclaración personal, quiero remarcar que Adobe Bridge es una completísima aplicación que da para un tutorial ella misma per se. No solo permite trabajar con los diferentes programas de Adobe, sino que además interactúa con los otros programas que tengamos instalados en nuestra computadora, así como también con Adobe Stock ya que podemos ingresar a nuestra cuenta de colaborador directamente desde Adobe Bridge.

Pero volviendo a lo que íbamos a tratar en estas líneas, ¿Por qué entonces tenemos dos programas que hacen lo mismo?
Porque hacen lo mismo pero no es lo mismo.
A ver, no me volví loco.
Tomemos un ejemplo que siempre uso para explicar las diferencias entre determinadas herramientas.
Un martillo es siempre un martillo.
Sin embargo si lo usa un empleado de una empresa de demoliciones, el mismo podría usarlo para destruir una pared. Iba a escribir un albañil pero este lo usa para muchísimas más cosas que romper una pared.
Si lo usa un carpintero, con el mismo martillo creará una maravillosa pieza de ebanistería.
Ahora si lo usa un escultor, el simple martillo formará parte de la construcción de una obra de arte. No nos olvidemos que Michelangelo Buonarroti lo utilizó para crear la Pietà entre 1498 y 1499.
Photoshop Lightroom vino en rescate de aquellos fotógrafos que necesitaban manipular una gran cantidad de imágenes, trabajando en ellas en paquetes o bloques. Por lo que el Lr es el programa ideal para trabajar por lotes de imágenes.
Si bien con Adobe Camera RAW podemos trabajar perfectamente con lotes, el proceso es más demorado y no tan amigable como lo es con Lightroom.

Hecha esta aclaración veamos otra diferencia en su proceso de revelado.
Básicamente podría decir que existe una diferencia en los recursos: mientras que Lightroom posee otros módulos mas allá de Revelado [Develop], como por ejemplo Librería [Library], XXXXX [Slideshow], Imprimir [Print], etc., Adobe Camera RAW es puntualmente una herramienta de edición. De mas esta decir que acompañada por Adobe Photoshop se torna súper potente, o por Adobe Bridge quien, por su vez, ejecuta la función de un gerenciador de imágenes, pero que sin estos “acompañantesACR solo cumple con la función de revelar o realizar ajustes y retoques puntuales.
Ahora la pregunta del millón: ¿Cuándo usar Camera RAW o Lightroom?
La respuesta es simple.
Depende de nuestra necesidad, o sea, tomando como parámetro lo que explique anteriormente, va a depender exclusivamente del flujo de trabajo que tendremos que ejecutar, ya que uno se adapta mejor que el otro dependiendo la necesidad.

Si tengo que basarme en mi experiencia profesionalmente, debo decir que solo utilizo Adobe Camara RAW, ya que no suelo revelar muchas imágenes por producción de imágenes publicitarias o editoriales. Y si el caso amerita revelar muchas imágenes, probablemente las mismas no sean similares entre si, por lo cual tendré que pensar en ellas como individuales y no como un lote.
Ahora si hablamos de mis fotos vacacionales, ahí si recurro al Photoshop Lightroom ya que tendré ciento de fotos de mis hijos correteando por los escenarios visitados y voy a querer que todas tengan la misma calidad, aunque vayan a parar a una carpeta sin nombre, en un CD sin catalogar en el fondo de un cajón.
Sin embargo si le pregunto a alguno de mis amigos fotógrafos de eventos o sociales, seguramente me dirán todo lo contrario: que profesionalmente solo utilizan Lightroom y que para sus fotos personales recurren a Photoshop para que la tía Monona no se enoje por la papada que le salió en la foto del cumpleaños de la abuela Coty.
Espero haber echado un poco de luz sobre las diferencias entre estas potentes aplicaciones.
Quiero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock sin importar si las procesaron con Photoshop Lightroom o Adobe Camera RAW.
Nos leemos en un próximo tutorial.

Vende tus mejores fotos y videos en Adobe Stock.

Adobe Portfolio ahora en español

Adobe Portfolio, incluido en cualquier plan de pago de Adobe Creative Cloud, es la forma más fácil de crear un impresionante sitio web que sea un Portafolio profesional y así mostrar lo que mejor sabes hacer.

Adobe Portfolio quita el trabajo que implica la creación de un sitio web que sea flexible para adaptarse a una amplia gama de estilos. Ya sea que estés presentando una fotografía, mostrando un diseño gráfico o exhibiendo tus ilustraciones, Portfolio puede ayudar a cualquier creativo a mostrar su trabajo. Las integraciones con Lightroom, Behance y Creative Cloud pueden ayudar a que tu sitio funcione y se ejecute con unos pocos clics. Para personalizar aún más tu sitio, puedes agregar su propia URL, usar las fuentes de Adobe Typekit, agregar formas de monitorear el sitio y la protección con contraseña.

¡Nos complace anunciar que Portfolio ahora está disponible en español!

¿Listo para comenzar? Ve a myportfolio.com, inicia sesión con tu AdobeID y selecciona un tema. ¿Necesitas algo de inspiración? Checa cómo nuestros miembros usan Portafolio en la Galería de ejemplos.

Bibliotecas en Creative Cloud

Autor: Mariana Cabral

No me cansaré de repetirlo: la piedra angular de Creative Cloud, son las Bibliotecas CC. Definitivo.

Nos permiten gestionar nuestros recursos a través de todas nuestras aplicaciones de Adobe CC, tanto de escritorio, como móviles; acelerando nuestro trabajo y optimizándolo de forma nunca antes vista.

Además, recordemos que las Bibliotecas son “compartibles”; ¡sí!, por alguna extraña razón mucha gente no sabe esto y se pierden del top de la colaboratividad e inmediatez que brindan. ¡Compártelas y acelera tu trabajo en equipo!

Ahora, ¿qué tienen que ver nuestras Bibliotecas CC con Adobe Stock? ¡Pues mucho! Puesto que ahí es donde guardamos nuestros recursos, tanto en Vista previa como en Licencia final, directamente desde la plataforma. Es decir, cuando navegamos entre ilustraciones y le decimos a Stock que queremos una vista previa de ese vector, o de ese material 3D o incluso cuando adquirimos la licencia de una fotografía, generalmente la mayoría de las veces guardaremos en la biblioteca de nuestra elección y entonces el recurso se aloja ahí para utilizarlo a través de nuestro software.

Ojo: recordemos que también podemos descargar el recurso a nuestro escritorio o, si lo preferimos, podemos abrirlo directamente en una app listada en la plataforma; pero repito, la forma más cómoda y más extendida, es guardar directo en biblioteca y tener disposición desde ahí.

Entonces, podemos tener acceso a nuestros recursos en cualquiera de nuestras apps, a través de nuestras bibliotecas, optimizando su utilización en todo momento; pero, ¿hay forma de ver el contenido de esas bibliotecas desde Adobe Stock? Tal vez no se te había ocurrido preguntar esto, pero la respuesta es ¡sí! Y puede ser realmente útil.

Si te fijas en la esquina superior derecha, justo a un costado de la caja de búsqueda y por debajo de tu nombre de usuario (si estás loggeado en la plataforma), te encontrarás un acceso en forma de menú desplegable que reza “Bibliotecas” o “Libraries” si navegas en inglés.

Ahí encontrarás el listado de todas tus bibliotecas que hayas creado hasta el momento, ya sea que estén en uso, vacías, tengan o no recursos de Stock alojados; encuentras todas y puedes navegar por todas. De hecho, la primera opción que encuentras es “Ver todo”, que te deja ver el acceso a cada una de tus bibliotecas, mostrándote en la parte inferior, la cantidad de recursos alojados en cada una de ellas.

Cuando decides entrar a una en particular, en la parte superior izquierda te mostrará que estás navegando dentro del área de bibliotecas y luego en la biblioteca en particular que hayas elegido. Justo debajo de esta información, encontrarás la cantidad de elementos surgidos de Stock (50 en el ejemplo presentado aquí), contra el total de elementos de la biblioteca (147 en el ejemplo).

Cada recurso, a su vez, te permitirá -como en cualquier parte d ella plataforma- descargar, buscar similares, eliminar, guardar vista previa, adquirir licencia. Y obviamente, aquellos recursos de los que ya cuentas con una licencia, te lo notificarán con un tag en la esquina superior izquierda diciendo “Con licencia”.

Como ves, puede resultar sumamente práctico llegar a la plataforma de Adobe Stock en tu navegador de preferencia, y gestionar exactamente los recursos con los que ya cuentas; saber su estado y la biblioteca donde viven. Recuerda que en cualquier momento puedes moverlos o eliminarlos de tus bibliotecas, si así lo decides.

Para que lo visualices todavía mejor, te dejo un video exclusivamente dedicado al tema, en mi canal de YouTube. Si quieres que hablemos de temas específicos o tienes dudas respecto al uso de las Bibliotecas CC u otro contenido hablado en este blog, estamos a la espera de tu pregunta o sugerencia.

¡Hasta el próximo!

 

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SUMMIT, un vistazo al mayor evento de Mkt digital del mundo

Cuando no tengo azul, pongo rojo

Autor: Marcelo Monzón

Cuando se habla de paleta de colores, lo primero que nos viene a la mente es ese ovalo de madera con un agujero para colocar el dedo pulgar, que usaban los artistas antiguamente.
Sin embargo las paletas de colores no son “exclusivas” de los pintores.
Obviamente es de conocimiento popular que los diseñadores gráficos las usan mucho, pero los fotógrafos también las usan y mucho más de lo que podemos pensar.

La frase del título se le atribuye al pintor español Pablo Picasso.
Este artista nacido en Málaga, a fines del siglo XIX, en realidad se llamaba Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (según su certificado de nacimiento) o Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (según su partida de bautismo).
Obviamente a raíz de algo tan complejo como tener que llenar un formulario, con su nombre completo, se abocó a querer simplificar las cosas en su vida.
Ok. Esta apreciación es exclusivamente mía. Pero si es verdad que este maravilloso pintor (no se queden solo con sus trabajos cubistas, vean si pueden las obras de los períodos rosa y azul) intentó en toda su vida artística simplificar su proceso creativo.
Y así lo hizo con la frase que da título a este texto.
Algunos autores la cuentan distinto: “si no tengo rojo, pongo negro”.
Mas allá del color que esté involucrado en la frase, sustancialmente lo que la misma intenta decirnos es que si se hubiese detenido ante los pequeños contratiempos, o circunstancias,  que parecieran no encajar con sus planes previos, cuántas obras de Picasso no habrían visto la luz.
Afortunadamente para los artistas actuales, más allá de que se puede generar cualquier color en Illustrator, InDesign o Photoshop, existe una aplicación que nos ayuda a todos los involucrados en manifestaciones artísticas.
Hasta no hace mucho se la conocía por el nombre de Kuler. Actualmente se la llama simplemente Adobe Color.
Vio la luz hace ya algún tiempo, en los lejanos Labs de Adobe.
Posteriormente fue integrándose desde la web a las aplicaciones de escritorio para finalizar en una app de móviles.
Es indiscutible la potencia que encuentra en esta última plataforma.
Muestra de ello dan los millones de descargas que tiene la app Adobe Capture CC al momento de escribir estas líneas.
Pero más allá de su gran cantidad de descargas, muchos profesionales de la imagen digital la continúan integrando a su flujo de trabajo de forma cotidiana mediante el sitio https://color.abobe.com/es/

Creando paletas

Realmente su uso es muy básico pero su utilidad es enorme.
Voy a dividirlo en dos tipos de uso aunque en realidad sean el mismo.
El primero, y más utilizado, es para crear paletas ASE para interactuar en Photoshop, Illustrator, etc.
La segunda, y tal vez la menos conocida, es para crear “paletas” para nuestras imágenes.
En este caso coloqué paletas entre comillas ya que las mismas son meramente conceptuales. O sea, sirven para referencias de los colores que aplicaremos, o modificaremos hasta llegar a ellos, en nuestras fotografías.
Existen muchas técnicas para lograr reproducir una “paleta” en nuestra imagen, pero eso será material de otro tutorial.
En este nos centraremos en las diferentes formas de interactuar con estas concretas paletas.
Básicamente el servicio Adobe Color nos ayuda a combinar los colores de forma armoniosa y atractiva en nuestros diseños o proyectos.
En Photoshop, Adobe Color está completamente integrado, aunque también podemos crear nuestra paleta y recuperarla en Photoshop de diferente formas.
La primera opción se trata directamente de una extensión que permite crear, guardar y acceder a nuestros temas de color.
Para esto debemos ir al menú En Photoshop, seleccione Ventana/Extensiones/Temas de Adobe Color [Window/Extensions/Adobe Color Themes].
Una vez allí podemos crear nuestras propias paletas de colores y ver cómo funcionan los mismos entre si.
Pero más allá de nuestra creatividad en combinar colores, Adobe Color nos proporciona numerosos temas, que podremos filtrar de diversas formas: Más populares, Más utilizados, Al azar, temas que hayamos publicado o temas que nos han gustado.
Una vez encontrado el tema, podemos editarlo y guardarlo en nuestros temas de Adobe Color o añadirlo directamente a nuestras muestras en Photoshop.

Pero la extensión de temas de Adobe Color no está disponible únicamente para Photoshop, ya que también lo está para otras dos aplicaciones de escritorio de Creative Cloud: Adobe InDesign y Adobe After Effects.
Lo potente de este servicio es que el mismo se encuentra completamente integrado en las bibliotecas de Creative Cloud, lo que nos permite acceder a los temas guardados desde las aplicaciones de escritorio mencionadas, así como también desde aplicaciones móviles como Capture CC, o usando el sitio web de Adobe Color.
Si queremos ver otras paletas debemos ir directamente a la ficha Explorar en el panel de temas de Adobe Color. Al hacer clic en dicha ficha, aparecerá de forma predeterminada todos los temas de colores.
La comodidad de usar este tipo de temas, nos permite probar la integración de diferentes combinaciones de colores.
Esto nos facilita la forma de creación, por ejemplo si debemos crear un diseño de un sitio web utilizando una gama de colores, o directamente para saber cómo darle más impacto a una fotografía, o montaje, usando los colores que más se integren entre sí.
Pero más allá de usar directamente la opción desde dentro de Photoshop, podemos crear nuestras muestras en un celular, desde la app, o la web, y acceder a ella cuando necesitemos utilizarla en nuestro proyecto.
Veamos cómo crear una paleta fuera de Photoshop.
En este ejemplo lo voy a hacer desde el sitio web
Para crear un tema de color debemos en primer lugar seleccionar, en el menú desplegable Regla Cromática, en el panel de temas de Adobe Color.
Desde allí podremos seleccionar la regla cromática en la que deseamos basar nuestro proyecto: Análogos, Monocromáticos, Tríada, Complementarios, Compuestos, Tonos o Personalizados.
Una vez que hayamos encontrado la combinación ideal de los cinco colores, guardamos la misma desde el botón Guardar.
Una vez que se haya guardado, automáticamente irá a la ficha Mis temas.
Desde allí podremos seguir editando el tema, borrarlo o descargarlo como un archivo ASE.

También desde la opción Explorar podremos realizar las mismas acciones.
Para entender un poco que es cada una de las opciones de las reglas cromáticas les hago un resumen de cada una de ellas:

  • Análogos

Utiliza colores adyacentes en la rueda cromática.
Los colores análogos se suelen fusionar bien entre sí y son armónicos y agradables de ver.

  • Monocromáticos

Utiliza el mismo color pero con diferentes valores de saturación y brillo.
Si usamos esta regla cromática, veremos cinco colores que comparten el mismo matiz (por ejemplo: H:182), pero tienen diferentes valores de saturación y brillo.
Los colores monocromáticos se combinan bien entre sí y generan un efecto calmante.

  • Tríada

Utiliza tres colores equidistantes de la rueda cromática.
Si usamos esta regla cromática, aparecerán dos colores con el mismo matiz pero diferentes valores de saturación y brillo del primer punto de la rueda cromática (por ejemplo: HSB: 182, 90, 45 y HSB: 182, 100, 75), dos del segundo punto de la rueda cromática (HSB: 51, 90, 55 y HSB: 51, 95, 45) y un color del tercer punto (HSB: 321, 90, 79).
Los colores triádicos suelen contrastar entre sí (aunque no tanto como los colores complementarios), pero siguen siendo armónicos si se combinan.

  • Complementarios

Utiliza colores opuestos de la rueda cromática.
Si usamos esta regla cromática, aparecerán dos colores con el mismo matiz que el color base (por ejemplo: HSB: 182, 100, 45 y HSB: 182, 90, 100), el propio color base (HSB: 182, 100, 75) y dos colores con el mismo matiz del punto opuesto de la rueda cromática (HSB: 23, 100, 45 y HSB: 23, 100, 75).
Los colores complementarios proporcionan un alto contraste y tienden a llamar mucho la atención cuando se combinan entre sí.

  • Compuestos

Utiliza una combinación de colores complementarios y análogos.
Si usamos esta regla cromática, aparecerán dos colores con el mismo matiz que son adyacentes (análogos) al color base (por ejemplo: HSB: 214, 90, 95 y HSB: 214, 60, 35), el propio color base (HSB: 182, 100, 75) y dos colores opuestos al color base (complementarios) pero adyacentes entre sí (HSB: 15, 75, 78 y HSB: 6, 90, 95).
Los temas de colores compuestos tienen el mismo contraste visual fuerte de los temas de colores complementarios, pero la presión es menor.

  • Tonos

Utiliza cinco colores, todos con el mismo tono (por ejemplo: H: 182) y saturación (S: 100), pero valores de brillo diferentes.

  • Personalizados

Obviamente esta opción nos permite seleccionar manualmente los colores en la rueda cromática de la paleta sin necesidad de cumplir ninguna regla.

Una cuestión de imagen

Ahora se verá la potencia en su totalidad ya que no solo nos permite trabajar con colores preseteados o creados por nosotros mismos. También nos permite seleccionar los valores tonales de una imagen y crear nuestros temas directamente desde una imagen.
Para cargar una imagen debemos hacer click en la cámara de fotos que se encuentra del lado derecho.
Al hacerlo se nos abrirá la opción de cargar una imagen directamente desde nuestra computadora.
En este ejemplo voy a usar un dibujito que me hizo mi hija Mikaela.
Lo primero que ocurre cuando cargamos la imagen es que automática hará una preselección de los colores que predominan en nuestra imagen.

 

Seleccionando los círculos, botones o marcas, de selección (en algún sitio vi que se los llamaba Chips) podremos modificar la ubicación de los mismos, por ende también nuestra paleta cromática.
También podemos mover de lugar cada uno de los cinco cuadrados de colores, reubicando la paleta.

Para finalizar podemos grabar el tema directamente en las Bibliotecas del Creative Cloud lo cual nos permitirá poder acceder a ellas del programa de nuestra preferencia.

 

Espero que con lo visto en este texto sus creaciones y fotografías ganen una nueva dimensión y en breve pueda ver sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.

 

 

Una cuestión de tamaño

Autor: Marcelo Monzón

A pesar de que muchos fotógrafos, diseñadores y artistas digitales no comprenden completamente como funciona el tema del tamaño de una imagen digital, en relación a la ecuación píxeles, resolución y sistema métrico, siempre están en la búsqueda del mayor tamaño.
Intentare dar una explicación concluyente sobre este tópico y, como bonús, un tip para que Photoshop resamplee mucho mejor nuestras imágenes.

Fue difícil no caer en la tentación del chiste fácil. Creo que lo que más me desalentó es que nosotros los argentinos usamos muchos modismos que probablemente el resto de los latinoamericanos no llegasen a percibir por lo que el chiste quedaría bastante descolocado.
Pero más allá de no jugar con ese tema, hablar sobre la importancia que se le da al tamaño de nuestras imágenes es realmente un tema serio.
Si bien se puede decir que la tendencia de la imagen impresa esta en descenso, y a pesar de haber pasado más de 30 años desde que se comenzó a tratar digitalmente una imagen para imprimirla, el tema de la resolución que se necesita para los impresos nunca ha sido muy claro. Si le preguntamos a alguien de una imprenta, principalmente en el área de pre prensa, a qué resolución se deben enviar las imágenes nos va a decir algo como: 300 ppi o el doble de la lineatura de impresión… Y si le preguntamos por qué, probablemente va a encoger los hombros y nos explicará que eso fue lo que le dijeron en su primer día de trabajo.
Sin entrar en detalles técnicos sobre el “misterio” de la lineatura, cuando se hace impresión comercial (offset, rotograbado, etc), las imágenes deben partirse en puntos de diferentes tamaños para poder reproducir gradaciones tonales, lo tan mencionado como Tono Continuo.

Para no dejar inconcluso el tema, básicamente, recordemos que los píxeles son cuadrados pero para imprimir se necesitan puntos (redondos) por lo que se necesitan muchos cuadrados para crear un circulo… la famosa circunferencia del cuadrado.
OK, no es eso, pero como ejemplo aplica.
Por este motivo es que se necesita un Factor Q x2 para que nuestro impreso salga correctamente.
Menos mal que no iba a entrar en detalles técnicos.
Pero es difícil explicar que los famosos DPI para impresión no aplican de la misma manera que en la resolución de una cámara y que a su vez la resolución nada tiene que ver con el tamaño aunque en realidad sí. O sea… un lio.
Para explicar el porqué de los distintos puntos necesarios que intervienen en la impresión comercial, debería explicar una serie de cuestiones técnicas, como por ejemplo el porqué de los diferentes ángulos de las trama de color, pero creo que solo serviría para confundirlos mas.
Basta con saber, como ya explique antes, que la resolución de una imagen impresa estará sujeta a la tecnología con que se imprima. O sea, el grado de detalle, o calidad de una imagen digital, será mayor en función de cuantos píxeles por pulgada tenga.

Megapíxeles

Distinto, pero más o menos igual, es el tema de los Megapíxeles o Mpx.
Pero antes de hablar de megas hablemos del pixel.
El píxel es la unidad más pequeña y diminuta de una imagen digital, por lo que cada píxel es una unidad homogénea de color que, sumándose a otros pixeles de diferentes colores, dan como resultado una imagen de cientos, o miles, de colores o variables tonales.
La palabra Pixel surgió como acrónimo entre los términos ingleses Pix (expresión coloquial que refiere a picture, “imagen”) y Element, en español “elemento”. O sea, el píxel es un elemento de una imagen.
Ahora que ya sabemos exactamente que es un pixel, la deducción sobre que es un megapíxel es muy fácil: es un millón de píxeles.

Entonces cuando hablamos de la cantidad de megapíxeles que tiene una cámara, nos referimos a los millones de cuadraditos que esa cámara utiliza para componer una fotografía.
Una vez escuche una charla entre dos fotógrafos profesionales, (démosle la derecha que fue hace mucho tiempo, cuando el tema estaba en pañales), en la cual uno le decía al otro que lo más importante eran los megapíxeles.
Si bien es algo importante, principalmente si se quiere hacer imágenes comerciales de gran tamaño, la calidad de una imagen no se encuentra en la cantidad de píxeles que conformaran la imagen.
Debemos considerar que una cámara, o celular si se quiere, no es superior a otro únicamente mirando unos valores numéricos, sino que entran en juego muchos más factores. Por ejemplo, el sensor, el procesador, el ISP (procesador de señal de imagen) o la óptica que posea la cámara, son tan, o más, influyentes para determinar la calidad de la fotografía obtenida, que la cantidad de píxeles que la compondrán.

Como mencioné, existen muchos elementos involucrados para analizar una cámara, por lo que no debemos guiarnos pura y exclusivamente por los megapíxeles para hablar de la calidad de una cámara, por ende, tampoco de sus imágenes.
Ahora bien, ¿qué son exactamente los megapíxeles?
Básicamente se podría decir que son los elementos que definen cuánto podemos ampliar la imagen sin perder nitidez.
Algo similar a lo que ocurre con la imagen impresa.
Sin embargo en este caso no depende de la resolución ya que cuando hablamos de píxeles, o medimos en píxeles, lo único que entra en la ecuación es la cantidad de los mismos en el alto y ancho de la imagen.
Sin embargo si estamos en algún programa de armado, como Illustrator o InDesign, dependiendo de la configuración de los mismos, puede ocurrir que al “mirar” una imagen la misma se vea “más grande” cuanto menor sea su resolución.
Esto se debe a que para estos programas si importa la resolución de salida, mientras que en Photoshop, un sitio web, o una aplicación, lo que importa es el tamaño en píxeles.
Volviendo a los megapíxeles, los mismos equivalen a un millón de píxeles, por lo que cuanto más megapíxeles tenga una fotografía mayor será la dimensión de nuestra imagen.
Por ejemplo, en una captura de 4864 x 3648 el primer valor hace referencia al ancho de la imagen, mientras que el segundo pertenece al alto. El resultado de multiplicar esas cifras sería equivalente a los píxeles que tienen la captura, en este caso 17.743.872 de píxeles, o lo que es lo mismo, unos 18 megapíxeles.

Entonces, ¿es importante la cantidad de megapíxeles?
Eso depende de las necesidades de cada uno. Obviamente, si lo que queremos es realizar fotografía para un cartel publicitario en la vía pública, la cantidad de píxeles será muy importante.
Pero si lo que queremos es hacer un catálogo Online, salvo raras excepciones, las imágenes no superarán los 2 MP.
Dicho esto, en el caso de que se conviertan en un colaborador de Adobe Stock, sería bueno que las imágenes tengan un buen tamaño, ya que de esa forma amplían las posibilidades de comercializar sus imágenes a diferentes propósitos.
Para no recibir comentarios sobre que si es necesario prestar atención y tomar en consideración el tamaño de los pixeles del sensor, aclaro que en esos casos los píxeles, al ser de mayores dimensiones, pueden captar más luz a través de sus fotodiodos, lo que permite emplear una sensibilidad mayor sin que el granulado o la pérdida de calidad puedan suponer un problema.

Resampleo en Photoshop

Acá entramos en un terreno complicado.
¿Por qué? Porque en un principio no se debería resamplear una imagen.
Cosa realmente imposible.
Vale aclarar que resamplear una imagen no se refiere únicamente a ampliar una imagen, sino a cambiarle el tamaño o sea, cuando se achica una imagen también se la resamplea, lo que para ser puristas estaría mal.
¿Por?
Porque ya sea ampliando o reduciendo una imagen la información de la misma se altera, lo cual influye en su calidad.
Obviamente que al ampliar estamos “inventando” información mientras que al reducir no. Pero, por pruebas que he realizado en su momento, puedo decir que si se compara una imagen escaneada al tamaño final de salida con una igual pero reducida en su tamaño, pero de igual dimensión que la escaneada al tamaño final, se notan diferencias. Sutiles pero se notan.

Dicho esto, puedo asegurar que una de las ventanas más usadas en Photoshop, pero también sobre las que más dudas y confusión existe, es la ventana de Imagen/Tamaño de imagen [Image/Image Size].
Dicha ventana está dividida en dos áreas que nos informan sobre medidas y resolución de la imagen activa. La primera área (Pixel Dimensions) nos indica la cantidad de píxeles que contiene la imagen en sentido Horizontal (Width) y Vertical (Height). Esta información es la que hace referencia al tamaño en pixeles.
Esto es a lo que hacía referencia unos párrafos atrás. Es la que debemos utilizar cuando estamos trabajando imágenes cuya finalidad de salida será una pantalla, por ejemplo para Internet, ya que sabremos qué área ocupará la imagen en un monitor de determinado tamaño.
La segunda área (Document Size) nos indica las medidas físicas de la imagen en determinada unidad de media (pulgadas, milímetros, etc) y es la que utilizaremos cuando estamos trabajando imágenes cuyo finalidad será un medio impreso ya que sabremos que tamaño ocupará en la impresión en relación a la resolución de salida.
Remuestreo [Resample] es el cambio en el número de píxeles de una imagen y si bien se ven 7 formas de remuestreo (a continuación veremos que existe una más) básicamente el modo de aplicación se divide en dos: el de aumento del número de píxeles (Upscale) o el de reducción  del número de píxeles (Downscale). Es importante entender que no es lo mismo cambiar el número de píxeles (Resample) que modificar la resolución de una imagen ya que existen variables al tildar la opción Resample:

  • Si la casilla de verificación Resample está marcada, y hacemos click en la cadenita que se encuentra entre las dos medidas, todas las casillas son editables.
    Esto significa que podemos cambiar de manera independiente el número de píxeles y el tamaño de la imagen. Por ejemplo, si una imagen tiene el tamaño correcto pero demasiada resolución, podemos reducir la misma manteniendo el tamaño fijo de la imagen al marcar esta casilla.
  • Si la casilla de verificación Resample está desmarcada se puede cambiar el tamaño y la resolución manteniendo el número de píxeles (y por lo mismo manteniendo el tamaño del archivo). El tamaño y la resolución serán modificados de manera inversamente proporcional, es decir, si aumentamos la resolución reducimos el tamaño físico de la imagen y al contrario.
    Por ejemplo, tenemos una imagen tomada con una cámara digital a una resolución de 72 ppi pero a un tamaño de 31,75 cm. Si desmarcamos la casilla Resample y aumentamos la resolución a 300 ppi el tamaño físico se reducirá a 7,62 cm y el tamaño de archivo se mantiene intacto, o sea a 900 px por 600 px.

Pero como dije antes existe otra opción y la misma es una mejora sustancial desde que apareció la versión Creative Cloud. O sea, en versiones anteriores a CC no existía la siguiente posibilidad.
Para activarla (si no se encuentra activa, cosa que en las últimas actualizaciones debería ocurrir) debemos ir a las preferencias (Ctrl + K) y, en la opción Tecnologia de previsualización [Technology Preview], tildar la opción Habilitar preservar detalles 2.0 al ampliar [Enable Preserve Details 2.0 Upscale].
Al hacer esto, en la ventana Tamaño de imagen [Image Size], aparecerá una nueva opción.

A continuación podrán ver la diferencia entre la imagen original a 3101 px por 2068 px y al utilizar el modo Automático, sin haber tildado la opción Habilitar preservar detalles 2.0 al ampliar [Enable Preserve Details 2.0 Upscale] y con la opción Preservar detalles 2.0 [Preserve Details 2.0] al 30%, aumentando la imagen de 900 px por 600 px a 3101 px por 2068 px.
Puede parecer que la imagen del medio, sin la preservación 2.0, está más “enfocada”, lo cual de alguna forma es correcto. Esto se debe a que al utilizar el método Automático, Photoshop utiliza la opción de preservar detalles al aumentar, lo que aplica un Enfocado [Sharpen] que genera halos. De allí la sensación de que esta mas enfocada pero los halos son muy notables lo cual es molesto.
Con la tecnología 2.0 los halos desaparecen manteniendo casi la misma calidad que una imagen original al mismo tamaño.

Con esto daría por cerrado esta primera aproximación al tema de la resolución y el resampleo de imágenes en Photoshop.

Espero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.

Categorías Populares en Adobe Stock

Autor: Mariana Cabral

¿Andas falto de inspiración? No te preocupes, a todos nos pasa. Pero, ¿qué sucede cuando parece que no fluyen las ideas y te sientes incapaz de darle a tu cliente la imagen perfecta en el siguiente post en redes sociales? O, por el contrario, tienes que salir a hacer un nuevo shooting y no se te ocurren temas nuevos para fotografiar o incluso  ilustrar. Como ahí, ¿¡qué hacemos!?

Bueno, pues resulta que en Adobe Stock piensan en todo y nos ofrecen la forma de hacer “búsquedas más inteligentes” para dar con contenido súper interesante a través de sus categorías más populares, aquellas que más están buscando otros usuarios como tú y como yo. Y de hecho, te lo ponen directo en la primera página… sí, esas cosas que suceden mientras tú no visitas el contenido completo de tus plataformas favoritas. 😉

Ok, y ¿dónde está esta belleza? Pues en el Home de Adobe Stock, solo tienes que irte hasta abajo y ahí encuentras “Buscar más inteligentemente”;  tal cual hay un listado de “Categorías populares”. Y desde ahí se te empiezan a abrir los ojos y las ideas, porque verás temas que tal vez nunca pasaron por tu cabeza, como “Problemática social”, o “Religiones y culturas”, o “Sensaciones y emociones”… Sí, todos pensamos en “Animales”, “Gente”, “Tecnología” y hasta “Medio ambiente”, pero ¿qué tal “Estilo de vida”? Y de verdad, lo que vas a encontrar en estilo de vida y el resto de categorías, te dará una idea de lo que ha cambiado la imagen de stock en los últimos 5 años.

Si eres consumidor de recursos, te va a dar algunas ideas muy interesantes para tus proyectos y cuentas. En lugar de llegar a hacer directamente una búsqueda que tengas en la cabeza, respondiendo a tus patrones habituales o tal vez a los de tu cliente; te das la oportunidad de explorar otros temas que muchos otros usuarios están utilizando. Quién quita y le das un nuevo aire a tus campañas.

Si eres Colaborador, bien puedes darte idea de lo que los consumidores están buscando y cómo lo están resolviendo otros creativos con los recursos que están generando. Puede ser que te animes a hacer cosas distintas en tu siguiente shooting o que finalmente des el paso a nuevos estilos de ilustración o temáticas que no habías explorado, o incluso a crear plantillas de diseño gráfico… pero ahora sabes que los usuarios los están pidiendo y, sí, ¡pagan por ellos!

Por donde lo veas, el apartado de Categorías populares es una excelente herramienta tanto como Usuario, como Colaborador. ¡Aprovéchalo! Está ahí para que lo uses.

Como siempre, te dejo un pequeño video donde podrás ver en unos cuantos minutos cómo es que funciona. Si tienes dudas o quieres que hablemos de otros temas, ¡avísanos!

 

 

Vende tus fotografías y vídeos en el banco de contenidos Adobe Stock

Automatizando nuestras imágenes

Autor: Marcelo Monzón

Entre los profesionales de la fotografía, la palabra automático, es mala palabra.
Si bien cada día es mayor la cantidad de fotógrafos que prefiere sacar fotos en automático, aun es mal visto entre los fotógrafos de antaño. Sin embargo, por suerte, este pensamiento está cambiando.
Pero ¿qué pasa entre los profesionales del retoque? Es peor aun. No por el hecho de usar algo automático, como con los fotógrafos, sino porque realmente no saben como funcionan las opciones automáticas de Photoshop, y consideran que funcionan mal.
Veamos una opción automática que nos puede sacar del apuro al momento de sacar nuestras fotografías.

El preconcepto es algo muy dañino, ya sea en nuestra vida cotidiana así como en lo profesional.
En el caso de Photoshop, durante años, por no decir siempre, he escuchado “NO USES LAS OPCIONES AUTOMATICAS, SON HORRIBLES”.
Recuerdo cuando hace muchos años atrás trabajando en un medio periodístico muy famoso de la Argentina, comencé a retocar las fotos utilizando las opciones Auto de ajustes.
Mis colegas no podían entender porque a mí me quedaban bien y a ellos súper mal.
Obviamente porque si bien Photoshop es mágico (claro que si) a veces necesita una mano para hacer su magia.
Si no preparamos al programa para que sepa que es lo que deseamos, no podemos quejarnos que no hace lo que queremos.
Esta intro viene a raíz de que yo también caí en el error de criticar una acción automática por no entender, en aquel momento, como tenía que trabajar con ella.
Allá por fines de la década de los 90, en un viaje a Brasil, quise hacer una panorámica de la Lagoa Rodrigo de Freitas.
Cuando quise usar la opción automática Panorámica, como no tuve los recaudos necesarios al tomar las fotos, el resultado no fue el esperado.
Muchos años después, tuve la necesidad de realizar una fotografía para el restaurante de un amigo.
Como no tenía suficiente tiro (distancia entre la cámara y lo que necesitaba fotografiar) pensé: Hago tomas parciales y las uno con la opción Panorámica. Obviamente me había olvidado de mi “mala experiencia” anterior.
Cuando me senté a retocar las imágenes me vinieron a la mente las imágenes de Rio de Janeiro.
Lo primero que sentí fue un miedo a que el resultado fuese malo.
Ahí recordé que cuando saqué las imágenes desde el Cristo Redentor, no había tomado el recaudo de sacarlas con trípode o de cuidar que el horizonte estuviese, siempre, más o menos a la misma altura.
Aclaro que cuando hablo de horizonte no me refiero a la línea que se ve a lo lejos en las fotos de paisajes. El horizonte en este caso es la línea imaginaria que se tiene que considerar, principalmente, en las imágenes que servirán a montajes y que tiene como punto medio la “mirada” del observador, en este caso del lente.
Por eso antes de hacer el montaje del restaurante, quise ver si con el comando Alinear capas automáticamente [Auto-Align layers] podía solucionar aquella vieja panorámica que quise hacer en mi visita a la Cidade Maravilhosa.

Antes de continuar quisiera aclarar que las fotos son en baja calidad porque, en aquel momento, eran lo máximo que se podía sacar con una cámara digital NO profesional. Era apenas una cámara de 1 Mp.
Lo primero que hice, siguiendo con los comandos automáticos, fue abrir todas las imágenes dentro de una sola.
Para hacer esto fui al menú Archivo/Secuencias de comandos/Cargar archivos en pila [File/ Scripts/Load Files into Stack] y, en la ventana que se abre, buscar todas las imágenes que quiero formen parte de la panorámica.

Para ser honesto, no recuerdo si en aquel momento existía la posibilidad de alinear automáticamente las imágenes directamente desde esta ventana.
Pero más allá de que existiese o no esta opción, es preferible usar otro comando para hacerlo ya que se puede tener más control sobre el resultado final.
Por eso no tildo esta opción.
Tampoco la de crear un Objeto inteligente [Smart Object] porque en este caso no me serviría.
En otro tutorial veremos donde sí es muy útil tildar esa opción.
Una vez que tenemos todas nuestras imágenes en diferentes capas, las seleccionamos todas, pulsando la tecla Mayúsculas [Shift], y, desde el menú Edición/Alinear capas automáticamente [Edit/Auto-Align layers], dejamos que Photoshop haga su magia.
En la ventana que se nos abre, tenemos una serie de opciones.
Las de la parte superior son diferentes maneras de colocar, y distorsionar, las imágenes para lograr una panorámica más precisa:

Automático [Auto]: Analiza las imágenes y aplica una transformación en perspectiva o cilíndrica a las capas, más allá de cambiar su posición de ser necesario.

Perspectiva [Perspective]: Aplica una transformación de perspectiva, sesgo y escala sobre las imágenes para que se acoplen correctamente. La imagen central permanecerá intacta, el resto se ajustará a la misma.

Collage [Collage]: Permite mover, rotar y escalar cada imagen.

Cilíndrico [Cylindrical]: Como en el caso de la opción Perspectiva, la imagen central no se modifica, pero el resto se transforma mostrándose como un cilindro abierto verticalmente. Esta opción es muy aconsejable para panoramas amplios.

Esférica [Spherical]: Parecido al la opción anterior, pero muestra la imagen como en el interior de una esfera.

Cambiar posición [Reposition]: Cuando las imágenes están tomadas sin ningún tipo de perspectiva esta opción es la más adecuada. Reconstruye el resultado moviendo las capas seleccionadas haciendo coincidir sus bordes superponiéndolos.

Generalmente utilizo la opción Automático, salvo raras ocasiones donde necesito mayor o menor distorsión de las imágenes.
Las opciones de Corrección de lente [Lens Correction] son para corregir aberraciones ocasionadas por las lentes, como por ejemplo las viñetas o diferentes tipos de distorsiones de lente, ya que la mayoría de las cámaras graban los metadatos en cada imagen dándole a Photoshop la información necesaria para realizar las correcciones automáticamente.

Una vez que hacemos click en Ok, Photoshop hará todo el trabajo por nosotros.
Sin embargo, en apariencia, el resultado no es el deseado.

Ahora es donde ocurre la verdadera magia.
Sin deseleccionar las capas, volvemos al menú Edición [Edit] pero esta vez hacemos click en Fusionar capas automáticamente [Auto-Blend Layers].
En la ventana que se nos abre, seleccionamos la opción Panorama [Panorama].
Esto no porque sea una panorámica sino por los algoritmos que Photoshop utiliza para realizar la fusión de capas.
La opción Apilar imágenes [Stack Images] se utiliza cuando se realizan fotos con diferente profundidad de campo (se generan diferentes desenfoques) por lo que Photoshop hace un mapeamento de la imagen utilizando las diferentes partes de todas las fotos para unificar el foco.
Y ya que estamos utilizando las ventajas de la automatización de Photoshop, tildemos también las opciones Tonos y colores homogéneos [Seamless Tones and Colors] y Áreas transparentes de relleno según contenido [Content Aware Fill Transparent Areas].
La primera unificará los tonos entre las distintas imágenes. Si observan la imagen anterior verán cómo se notan las uniones por los diferentes tonos del cielo.
La segunda le dirá a Photoshop que rellene según contenido los espacios vacios.
Veamos el resultado final.

Lo interesante de las opciones automáticas es ver las máscaras que Photoshop realiza.
Jamás se me ocurriría hacer una máscara de esa forma y con esas características pero, como se puede ver, los resultados son fantásticos.

Veamos ahora el caso del restaurante de mi amigo.
Como pueden ver las fotos son completamente diferentes entre sí.

En este caso no use la opción Automático [Auto] porque el resultado final no fue el mejor. Así que utilicé la opción Collage.
Probé todas y la que aparentemente mejor resultaba era Cambiar posición [Reposition] pero cuando le aplique el comando Fusionar capas automáticamente [Auto-Blend Layers] el resultado fue muy malo.

Por eso es importante hacer pruebas y no quedarse con la receta ya que lo que funciona en una imagen, probablemente en otra no lo haga.
Para lograr el resultado que verán en la siguiente imagen utilicé otros comandos automáticos pero eso lo dejamos para otro tutorial.

Espero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.

Crear imágenes mono, bi, tri o cuatri cromáticas

Autor: Marcelo Monzón

Cuando pensamos en imágenes monocromáticas lo primero que se nos viene a la mente son las imágenes en blanco y negro.
¿Por qué monocromáticas las blanco y negro si son a dos colores? En realidad son a un solo color: Negro. El blanco es el papel donde se copia o imprime la fotografía. Por eso en Photoshop se las llaman imágenes en  escala de grises.
Pero, ¿Qué pasa con las imágenes impresas a un color sobre papel colorido? ¿son mono o bi cromáticas? Echemos un poco de luz en el asunto.

Cuando comencé a escribir el titulo me encontré ante la disyuntiva de cómo llamar este tutorial, ya que la idea era hablar de imágenes monocromáticas a dos colores.
No. No estuve de juerga antes de escribir estas líneas.
Generalmente (en realidad siempre pero veremos porqué puede ser que a veces no) las imágenes monocromáticas son impresas a un solo color. Comúnmente negro.
Pero en algunas ocasiones, para lograr imágenes más artísticas, se pueden imprimir en papeles de color, por lo que esas imágenes monocromáticas se volverían bicromáticas.
Por eso es que Photoshop nos permite hacer separaciones de color directamente en tintas Pantone®, por lo que podemos crear monocromías (bicromías, tricromías y cuatricromías) especificas y crear las películas o chapas para ese tipo de separación.
Para aquellos que no saben cómo se hace aquí les hago un pequeño resumen de como:

  • Convertir nuestra imagen a escala de grises (Imagen/Modo/Escala de grises [Image/Mode/Graysacle]).
  • Una vez realizado el paso anterior volvemos al menú Imagen [Image] y seleccionamos la opción Modo/Duotono [Mode/Duotone].
  • La ventana que se nos abre podemos seleccionar, de los menús desplegables (Preseteo [Preset] y Tipo [Type]) si queremos usar un estilo ya preseteado o crear uno nosotros mismos.
  • Si seleccionamos uno de los cuatro últimos, debemos seleccionar una tinta Pantone®. Eso lo logramos haciendo click en el cuadrado de color que queremos modificar. Luego podemos editar la curva de ese color, en el cuadrado a la izquierda del color seleccionado, para ajustar la incidencia del mismo en la imagen final.
  • Luego de colorear nuestra imagen debemos guardarla en formato EPS para que al aplicarla en Illustrator, o InDesign, los colores seleccionados aparezcan en la paleta de Color.

Crear policromías

Pero Photoshop nos ofrece más herramientas para poder crear imágenes entintadas.
Tal vez el proceso que voy a explicar sea uno de los que más veces me sacó de apuro allá por los años 90.
Además esta técnica también es muy utilizada por los retocadores profesionales, no para crear imágenes creativas y artísticas, sino para unificar tonos, principalmente para lograr tonos de piel más uniformes.
Luego de abrir nuestra imagen, si bien no es necesario, es conveniente convertir la misma en una imagen blanco y negro. Podemos utilizar alguno de los métodos explicados en el tutorial “Las claves del blanco y negro (Parte II)”. De hecho allí, el paso 14 sugiere utilizar la técnica que estamos viendo en este tutorial.
Una vez que tenemos la imagen en escala de grises le aplicamos una Capa de ajuste de Mapa de degradado [Adjustment Layer > Gradient Map], desde el icono del circulo mitad negro, mitad blanco, que se encuentra en la ventana Capas [Layers].

También podemos hacerlo desde el menú Imagen/Ajustes/Mapa de degradado [Image/Adjustments/Gradient Map], pero al utilizar este comando desde este menú, estamos haciéndolo de manera destructiva, o sea, no podemos volver atrás y editar los colores, mientras que con una capa de ajuste podemos volver cuantas veces queramos a editar los ajustes y valores.
Una vez que seleccionemos el comando se nos abrirá la ventana de Propiedades [Properties] donde podemos, haciendo click en la barra del degrade, donde podremos editar el mismo. Esto lo podemos hacer agregando marcadores o editando los existentes haciendo click en ellos. Al hacerlo se nos abrirá el Color Picker donde podremos seleccionar el color que deseemos.

La ventaja del Mapa de degradados [Gradient Map] es que lo podemos utilizar en el modo Normal, pero también podemos modificar su modo de fusión por cualquiera de la lista logrando excelentes efectos.

También desde el engranaje, que se encuentra en ángulo superior derecho de la ventana Editor de Degradado [Gradient Editor], podemos seleccionar diferentes degradados. Les aconsejo probar los degradados Viraje fotográfico [Photographic Toning] que reproducen las diferentes tonalidades fotográficas de imágenes “monocromáticas”.

En este ejemplo la capa de Degradado se aplicó directamente sobre una foto color

Bonus

Si bien este bonus no tiene que ver puntualmente con el viraje a una imagen monocromática, muchas veces suele ocurrir que cuando le alteramos los tonos, o colores, a una imagen la misma pierde el contraste y la diferencia tonal entre colores.
Recuerdo una anécdota, a fines de los años 70, donde un fotógrafo me indicó que pintase unas manzanas de azul.
Como las fotos serian en blanco y negro, la diferencia tonal entre manzanas rojas y verdes (más allá de su forma y piel) sería imperceptibles, ya que dentro del rango dinámico los rojos y verdes compartes un determinado espacio del espectro, por lo cual al pintar las manzanas de azul, en la toma final la diferencia entre los “rojos” y los “verdes” era bien marcada.
En el retrato los labios casi parecen del mismo color que la piel. En el más oscuro (modo de fusión Multiplicar) se nota un poco la diferencia, pero no es tan grande.
Para lograr marcar la diferencia entre estos tonos lo ideal es, luego de haber realizado la selección correspondiente, crear una Capa de ajuste [Adjustment Layer] de Niveles [Levels] y, sin modificar ningún valor, modificar el modo de fusión de Normal a Multiplicar [Multiplay] si queremos oscurecer o a Trama [Screen] si queremos aclarar.
En la siguiente imagen utilicé Multiplicar [Multiplay] para los labios y Trama [Screen] para los dientes.

Quiero agradecerle al fotógrafo Diego Guidobono, y a la bailarina y modelo Romina Rebecchi, por la amabilidad de proveerme las imágenes utilizadas para poder mostrarles como crear imágenes a uno, dos tres o más colores.
Espero ver prontamente sus imágenes subidas a Adobe Stock.
Nos leemos en un próximo tutorial.

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Generar Ingresos con nuestras fotografías

Autor: Marcelo Monzón

Cualquier fotógrafo que se precie sueña, no solo, con ser reconocido por su técnica y estilo, sino también vender sus imágenes y vivir únicamente de los ingresos generados por ser fotógrafo.
Parece una utopía pero si bien no nos vamos a volver millonarios (quien sabe?), el sueño de que nuestras imágenes comiencen a dar su lucro está mas cerca de lo que se cree.

 

¿Qué tienen en común las tapas de libros, discos o avisos publicitarios? Que en general utilizan imágenes.
Y si bien en algunos casos, principalmente en el mercado publicitario, las imágenes son producidas especialmente para lo que se quiere comercializar, generalmente se recurre a un banco de imágenes como Adobe Stock.
Obviamente que esto no es un recurso moderno de la era digital, ya que desde que yo comencé a trabajar en el mercado publicitario, hace cuarenta años, ya se utilizaban los bancos de imágenes.
Entonces: ¿Cuál es la novedad?
Básicamente que hasta no hace mucho la venta a los banco de imágenes era casi exclusivamente para fotógrafos profesionales.
Con el advenimiento de las nuevas tecnologías, y el avance a pasos agigantados de las imágenes digitales, esto fue abriendo camino a nuevos rumbos y surgieron muchísimos nuevos fotógrafos y creativos. Si, creativos, ya que, por ejemplo, en el caso de Adobe Stock no solamente se pueden vender fotos, sino que también se pueden comercializar ilustraciones, plantillas, videos, y un montón de opciones más. Solo depende de nuestra creatividad.

Pero volviendo a la venta fotográfica, la misma ha crecido gigantescamente gracias a la venta por internet. ¿Qué tiene en particular este tipo de venta? Básicamente se puede decir que una vez que armemos nuestro catálogo, solo restará esperar a que una enorme cantidad de personas, empresas y agencias que visitan a diario los diferentes catálogos de Adobe Stock, se interesen por nuestras fotografías y quieran comprarlas.
En la actualidad, es muy común que un fotógrafo que da sus primeros pininos en la fotografía, si realmente es creativo y sus imágenes son de gran impacto visual, pueda vender una de sus imágenes a una renombrada empresa para sus folletos, su página web, medios de prensa, blogs, portales de Internet o, porque no, para ser utilizada en alguna campaña publicitaria.

Recordemos que actualmente, gracias al crecimiento de las redes sociales, se ha incrementado la demanda de fotografías, ya que las imágenes se convirtieron en un material necesario para los Community Managers. Comercializar nuestras fotografías en Adobe Stock es la vitrina perfecta para colocar nuestras imágenes a la vista de los posibles compradores.
Claro está, como mencioné anteriormente, que no debemos esperar hacernos millonarios de la noche a la mañana, pero si contar con un ingreso extra que, dependiendo de nuestra constancia y producción, perfectamente pude pasar a ser una fuente de ingreso principal.
Tenemos que tener presente que el secreto radica en vender muchísimas fotografías a un precio accesible, y obviamente a muchos clientes y agencias, en lugar de querer vender pocas imágenes a un precio elevado.
Al final de cuenta es más accesible vender 500 fotos a un dólar cada una, que una foto a 500 dólares.
Pero más allá de los beneficios monetarios que podremos obtener vendiendo una gran cantidad de nuestros trabajos, a medida que nuestras fotos vayan teniendo éxito, podremos ganar “fama” como fotógrafos logrando, foto a foto, venta a venta, que mas empresas y agencias quieran adquirir nuestras imágenes.

¿Qué debemos considerar antes de querer vender nuestras fotografías?

Lo primero que debemos tener en claro es que el éxito de la venta de nuestras fotos no depende únicamente de nuestra creatividad,  o de la calidad de la misma, ya que no basta únicamente tener una buena fotografía para que alguien quiera comprarla. Tenemos que tener bien presente que además de ser original nuestra fotografía debe ser funcional a los Directores Creativos, Community Managers, o a lo que las empresas y agencias demandan.
¿Cómo se traduce esto? Creando fotografías ilustrativas que transmitan un mensaje aunque el mismo sea “neutro”, por ejemplo chicos jugando en una plaza, y no retratos por más hermosos que sean los ojos de la modelo.

Entonces, ¿Qué tipo de imágenes debemos generar?
Lo primero que debemos hacer es realizar una investigación profunda averiguando que tipos de fotografías son las que más se venden.
Esto lo podemos lograr investigando cuales son las palabras claves más buscadas.
De manera general los contenidos más buscados englobaran profesionales,  personas trabajando o en acción, niños, bebés, escenas de negocios, actividades o elementos relacionados a la música o comida.
Aquí me gustaría explicar que, más allá del tipo de producción que hayamos realizado, si bien generalmente pensamos en una imagen, a lo sumo dos, para agregar a nuestro portfolio, en el caso de la venta en Adobe Stock, es importante subir algunas imágenes más, obviamente cumpliendo con los mismos requisitos que habíamos utilizado para seleccionar esa imagen para nuestro portfolio.
De esta forma le estamos brindando a nuestro potencial cliente la posibilidad de diferentes variables para su proyecto. Mucho mejor que si solo publicamos una única imagen que si bien es la ideal, por determinadas características  no sirve para el proyecto general que se está buscando.
Volviendo a la importancia de saber cuáles son las imágenes más vendidas, al momento de comercializar nuestras imágenes, también debemos tener en cuenta que existen épocas del año que se venden más imágenes que otras y de determinado contenido.
¿Qué significa esto? Que debemos tener presente que si subimos imágenes sobre pascuas en la época navideña es probable que no obtengamos buenas ventas. Por esto es una buena estrategia crear un calendario de subida de nuestras fotos, tomando en consideración que tipo de imágenes se venden en determinada época del año, previendo, con un tiempo determinado, las imágenes que vamos a subir para potenciar su presencia en los resultados de búsquedas durante el tiempo en que se vendan.

Algo así es como “funcionan” los fotógrafos de moda: en otoño ya están realizando las imágenes de invierno, en invierno las de primavera y así sucesivamente.
Por eso, como ejemplo, si queremos tener una buena venta de fotos en la época navideña debemos programar y producir nuestras fotos un par de meses antes de noviembre, mes en el que deberíamos comenzar a subir nuestras imágenes logrando que las mismas sean “frescas” y ocupen las mejores posiciones en los resultados de una búsqueda.
Recordemos las imágenes más actuales tendrán mejores oportunidades que las que ya llevan más tiempo.

También es muy importante recordar que una vez subida la fotografía a nuestro portfolio, esa imagen puede venderse infinitas veces generando un ingreso pasivo. O sea: imágenes que generan dinero repetidas veces de forma totalmente pasiva sin necesidad de dedicarle ni un minuto más a su venta luego de haberla subido.
Existen varios trucos y detalles que tenemos que considerar al momento de subir nuestras fotos a nuestro catálogo, pero eso lo iremos viendo en los próximos tutoriales donde veremos cómo convertirnos en colaboradores de Adobe Stock.
Y recordemos que la comercialización de fotos es un proceso lento, y lo que más cuesta es lograr las primeras ventas, pero una vez realizadas, todo es más emocionante y que la paciencia, finalmente dará sus frutos.

Nos leemos en un próximo tutorial.

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